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Biennale Arte 2017

Text Ornella Fusco

 

Di abitudine, una mostra prevede con una serata d’inaugurazione il giorno prima dell’apertura al pubblico. La Biennale dell’Arte di Venezia vuole un’intera settimana di mattine con la testa sopra i postumi di notti in giro con scarpe di vernice nera per abiti da festa. Venezia non è un pesce, in questa settimana, ma un salotto: la sagoma della città è la stanza da ballo per sovrane in transito alla ricerca di tempi perduti – riedizioni di Sofia di Napoli, Cristina di Svezia, Elisabetta d’Asburgo. Ducati e feudi che oggi si manifestano su poteri simili per economia ma reattivi per immagine.

Martedì sera, due regni dello stesso impero. Per Louis Vuitton sedevano alle due tavole nel salone d’onore del Museo Correr, parte di quello che resta il Palazzo Reale di Venezia, quasi tutta la famiglia Memmo: due sorelle, Daniela d’Amelio e Patrizia Ruspoli, per due generazioni di una dinastia che ha saputo trasformare la furia della società capitolina in un codice di eleganza, arte e understament – tra Londra e Roma

Damien Hirst a Palazzo Grassi. Sussisteva un chiacchiericcio insistente, prima che aprissero i battenti: il riscatto di Hirst in polemica e in declino. Nessuna delusione. Hirst ha ritrovato in fondo all’oceano un relitto di un vascello custode di ori antichi, busti romani, oracoli orientali – inaspettatamente, niente di meno, il primo reperto riproduceva le sembianze di Monsier Pinault. Hirst ha ritrovato nel mare, aggredite da coralli e alghe che ne aumentano la bellezza dei volumi, statue in bronzo di Mowgli e a Baloo da Il Libro della Giungla. Dagli abissi, sono riapparse teste di Medusa stile Caravaggio, ante tempo per l’antichità presupposta; colossi caduti da Rodi – il più grande ricostruito nell’androne centrale del palazzo. Archeologia stonata dal genio. Le fotografie – le opere più vendibili – si basano su un blu oceanico, le sfumature sui volti di divinità indù. Il bottino. Damien Hirst ha saputo giocare sul confine tra storia e finzione, proprio lì dove nasce la definizione di letteratura.

Mercoledì sera, per tradizione, Monsieur Pinault invitava in onore di tutto quanto questo. La Fondazione Cini brillava per le finestre di una Versailles riapparsa, sul sagrato, a fondamenta dell’isola. Un agrumeto conduceva all’ingresso – se c’è un Re Sole a questo mondo, lo si trovava sulla porta a stringerti la mano. Tutti i generali del gruppo Kering. Marco Bizzari, alto due metri, a capo dell’ammiraglia Gucci. Francesca Bellettini, Ceo di Saint Laurent, Sabina Belli per Pomellato, Cristiano De Lorenzo per Christie’s, anche questa casa parte del gruppo di Pinault. Uno schieramento, il senso di maestà, tra Charlotte Rampling e l’imperatrice dell’Iran, Farah Dibah. Un gruppo di principesse forse decadute si aggirava per i chiostri: qualche anno fa brillavano per voglia e sorrisi, l’altra sera apparivano più appassite di quanto potrebbe imporre loro qualsiasi età. Senza smalto, vagavano dismesse queste Swan che la sera prima Sotheby’s si ostinava a proclamare iconiche di un’alta società che queste per prime non saprebbero definire.

Giovedì sera, Theodor Currentzis è salito sul palco del Teatro Goldoni per la VAC Foundation di Leonid Mikhelson. Ha diretto Mahler, la Sinfonia numero 1. Un’orchestra enorme, più elementi di quanto il teatro potesse contenere. Metà della platea era stata occupata da una struttura per dare spazio ai violini e a tutti gli archi. L’effetto è stato plateale, nel senso più preciso del predicato – in sala, la musica avvolgeva come non siamo più abituati a percepirla in un’esecuzione dal vivo – era potente quanto il suono amplificato dall’ultimo sistema Pioneer. Il ricevimento dopo l’opera, a Dorsoduro – c’era l’acqua alta a Venezia, e sotto alcuni ponti i motoscafi non riuscivano a passare. Un giardino nascosto era stato illuminato a piccole fiamme come lucciole per la regia di Matteo Corvino. Victoria Mikhelson, giovane, bionda, carattere particolare, non ha permesso ci fosse musica in alcun angolo – il rumore dei piatti e della cena ricordava l’ambiente di una mensa scolastica.

Venerdì sera, il Gritti Palace. Lampoon invitava insieme a Nataliya e Vicktor Bondarenko in occasione del lancio di una collezione di capi e accessori firmata da Rubeus e realizzati con i tessuti della tessitura Bevilacqua, tra le botteghe più leggendarie di Venezia. Una tavola lunga per cinquanta persone era allestita nel Club del Doge, il vento di primavera girava con vortici gentili sulla terrazza davanti alla Salute. La società moscovita si mescolava a quella veneziana, tra tutti brillavano come brillano sempre, le due sorelle, Viola e Vera Arrivabene Valenti Gonzaga. I broccati rossi con inserti in vetro e pietre preziose secondo l’arte di Nataliya Bondarenko, direttrice artistica di Rubeus Milano, era lo spartito emotivo per i violini – quanti violini a Venezia – i cocktail rosa, pesci di laguna le sfere di cioccolato.

Images courtesy of press office and @sgp Italia 

A PARISIAN WEEK

Testo Cesare Cunaccia

@cesarecunacciaofficial

 

Una settimana parigina sferzata da una pioggia uggiosa, incessante e a tratti violenta, che ha comunque raccontato alcune pagine di moda molto interessanti, fino al gran finale, con la mostra L’oeuvre au noir, dedicata al genio di Cristobal Balenciaga al Musée Bourdelle, all’incredibile decollo del razzo Chanel sotto le volte vetrate del Grand Palais e all’emblematico approdo al Louvre di Vuitton , «Viviamo in un’epoca in cui la gente non può più pensare a lungo termine – osserva intanto Guram Gvasalia, osannato guru di Vetements e designer di Balenciaga – anche le strategie di business sono diventate così. Nessuno può più immaginare strutture a lungo termine, tutti sono concentrati su oggi e subito, soltanto sulle vendite odierne». Senso di precarietà, brividi e ombre verso un domani incerto, in un mondo globalizzato e sempre più arduo da comprendere e leggere nei suoi contorni? A questa domanda sembrava voler rispondere Miuccia Prada, con la sua sofisticata, composita ed ironica esercitazione per Miu Miu del 7 marzo.

Tra le vere highlights della Fashion Week Parigina Autunno/Inverno 2017, la sfilata Dior, leggendaria Maison francese guidata dall’italiana Maria Grazia Chiuri, ha scelto di declinare un unico tema cromatico: il blu. Rapsody in Blue o Blue Moon, la voce roca e intensa di Nina Simone come soundtrack. ‘Fra tutti gli altri colori – scriveva Christian Dior nel suo Petit Dictionnaire de la mode – il blue navy è il solo che può competere con il nero. Un lavoro magnifico, quello di MGC chez Dior che ha riscritto frammenti basilari della poetica del brand. Il mitico modello Chevrier del 1949, ad esempio,ispirato alle tuniche dei pastori pirenaici e dotato di un ampio cappuccio, si è trasformato in una teoria di giacche, di abiti, gonne,mantelle, cappotti e piccoli bomber dalle fragranze sportive, con materie quali taffettà, velluto, panno spigato da coperta e maglia. Ecco le divise no gender, il rigore geometrico che s’intreccia con echi emotivi ed onirici nella trasversalità del blu. Issey Miyake con Yoshiyuki Miyamae, nel fasto storicistico e dorato dell Hôtel de Ville si ispira alla toccante bellezza dell’aurora boreale. Ed è subito poesia, anzi haiku, grazie alla lana grezza di pecore Shetland nate e allevate nelle pallide luci nordiche, tinte in cinque diversi colori combinati in un unico filo, dei superbi cappotti cocoon. Combinazioni architettoniche e paradossalmente lievi di Baked stretch e Steam stretch, il vocabolario della Maison, plissées curvi e concentriche concrezioni tessili dagli effetti ottici estranianti. Chanel è Chanel, che altro dire. Lo show è un evento, la consacrazione sempre potente e nuova di una mitologia della modernità. Questa volta si estrinseca in un’esplosiva connotazione spaziale, in un omaggio all’epopea degli astronauti siglato dal razzo bianco e nero con logo che alla fine del défilé, dal Centre de lancement N.5, dove sono assiepate duemilaseicento persone, schizza dalle rampe dritto verso il cielo. C’e un’aria giovane, divertita, leggera come il vento. Bisogna mantenere la propria identità e rinnovarla di continuo, afferma Karl Lagerfeld in backstage. Lui ci riesce appieno.

Nadège Vanhee-Cybulski, Creative Director di Hermès, continua il suo viaggio ermeneutico all’insegna di una freschezza giovane e fluida. La sua è una lettura per sottrazione e condensazione di un segno inimitabile, che però nulla toglie all’osservanza di un linguaggio e di un approccio che sono patrimonio basilare dell’heritage di Hermès. Gli abiti fluttuano siglati dalle stampe dei celebri carreés traslate a effetto sinopia sulla seta, stretti in vita da cinture sottili. I piccoli e graziosi duvet si portano sul tubino ritmato da zip,minigonne e top sono abbinati ad allungati caban. Splendide le bag in pelle e canvas, quanto le borse a tracolla in struzzo e gli alti stivali allacciati. Moncler Gamme Rouge guarda a un Canada autunnale incendiato di gialli e di rossi divampanti. Il décor è letterale: foglie morte accumulate, proiezioni all over di paesaggi e boschi sulle pareti, le Giubbe Rosse della gendarmeria reale schierate a celebrare il finale. Giambattista Valli, il Direttore Artistico di Gamme Rouge, ha interpretato il tema in modo mirabile e composito, incrociando outdoor e sofisticate fragranze metropolitane, sport e grazia soffusa, forte della sperimentale alchimia e ricerca di materiali che è un elemento portante di Moncler. I doudones sono peso piuma, arricchiti e per converso ulteriormente alleggeriti da ricami e intrecci di applicazioni rébrodées. Non mancano cappotti di tweed dalla carrure infantile, frangi-vento stampati a fiori selvaggi, stupendi pullover in shetland e foulard annodati un po’ ovunque. Le ballerine in tweed lievemente ottocentesche accompagnate dalle calze grosse, si accostano a zaini in nylon. La fluviale Fashion week F/W 2017-18 di Parigi si chiude in bellezza con la sfilata Louis Vuitton, tra scalinate scenografiche e solenni gruppi scultorei, nella Cour Marly del Louvre. Un luogo superbo a livello estetico e di profonda pregnanza storica per un evento che non ha precedenti. Bernard Arnault e LVMH hanno infatti firmato un accordo biennale con Jean-Luc Martinez, President del celeberrimo Museo, per potervi organizzare gli show del marchio. Nicolas Ghesquière, Direttore Creativo di LV, si lancia in un’esercitazione dai contorni espressivi liberi e poco definibili. Sottovesti da sera a effetto laccato, pellicce e montoni di soffuso sapore etnico ma, di nuovo, non riconoscibile o ascrivibile a una zona geografica certa o a una determinata cultura. Focus sulle borse e sui bijoux d’argento- notevoli le catene multiple- molto presenti, dinamici e perfino preponderanti in una forma linguistica che si declina totalmente sul verbum del proprio demiurgo.

Images courtesy of press office 

IT’S ALL ABOUT ME(N)

Testo Enrica Murru

 

Il 2017 si preannuncia come un anno di cambiamenti: dall’insediamento di Trump alle elezioni nei paesi del G7 – la Francia prima, la Germania poi – per arrivare al sostanziamento della Brexit. Gli equilibri del mondo arabo e africano minacciano di scompaginare le carte di un mappamondo incapace di assestarsi. È lo stesso anno in cui, grazie a Denis Villeneuve, arrivano al cinema due storie che parlano dell’incontro con altri mondi – ora Arrival e a ottobre Blade Runner 2049 – e che riscoprono una caratteristica essenziale dell’umanità: l’adattamento per la sopravvivenza, ai mutamenti, alle rivoluzioni e soprattutto al caos. Governandolo ma più spesso assecondandolo.

Kris Van Assche per Dior mette subito in chiaro la caratura dell’uomo che immagina, coriaceo con una vis ribelle, replicando su copricapi e borse il claim Hardior. Tra attitudine punk e alta sartoria, i completi disseminati di safety pin fanno da contraltare alle mantelle stampa riot e ai pullover che recitano They should just let us rave.

Nessun giardino delle delizie aspetta i nuovi maschi adulti, ma per coloro che sono pronti a lasciarsi trascinare c’è l’arcobaleno all’orizzonte: stimoli visuali che ridistribuiscono i capi di abbigliamento alla rinfusa su questi esseri mutevoli. Demna Gvasalia per Balenciaga continua a mescolare le carte, mettendo stivali tecnici da moto sotto al cappotto classico e portando in passerella shopper di carta usate come borse: uno squatter che è difficile trovare impreparato. È lo stesso ragazzo che abita la collezione di Kenzo, tra piumini, maglie, passamontagna e tute da sci – i colori mai così azzeccati. Gioca sulle sovrapposizioni anche Yohji Yamamoto, che fa baciare i lembi delle camicie con la ruvidezza dei cappotti e lascia spuntare il camouflage dalle stampe psichedeliche e fluo.

In questa babilonia sarà l’athleisure a salvarci: sdoganato ormai l’abbigliamento sportivo nei più svariati contesti, l’unica risorsa per lo stile è quella del dettaglio di lusso. L’esempio lo dà Kim Jones da Louis Vuitton, in una collaborazione con il marchio di street style Supreme. A cogliere la sfida anche Yusuke Takahashi che firma per Issey Miyake una collezione che ristabilisce alcuni punti fermi: la versatilità dei tessuti tecnici, la stratificazione dei neri o dei colori (curcuma, blu elettrico e senape su tutti), l’eleganza senza tempo delle giacche orientali.

Si fa tentare dal velluto in tonalità notturne Hermès, dove Véronique Nichanian prova a sdoganare l’accessorio più controverso dell’abbigliamento maschile, il marsupio. Difficile non leggere anche qui il bisogno di avere le mani libere, di muoversi a proprio agio nell’agitazione generale, la necessità di essere pronti a difendere il territorio dagli incursori, che siano alieni oppure no.

Text Enrica Murru


2017 promises to be a year of changes: From Trump’s inauguration to elections in the G7 countries – first France, followed by Germany – to Brexit’s becoming operative. The delicate balance in the Arab and African countries threatens to throw into disarray a world map that seems incapable of settling. In this same year, thanks to Denis Villeneuve, two stories will hit our screens that speak of encounters with other worlds – Arrival, in cinema theaters now, and Blade Runner 2049, out in October– and that rediscover a fundamental feature of humankind: the ability to adapt, in order to survive, to change, to revolutions and, most of all, to chaos. Ruling it, but more often bending to it.

Kris Van Assche for Dior makes it clear from the very start what kind of man he envisages – tough, with a rebellious vigor, by repeating on hats and bags the claim Hardior. Halfway between punk attitude and haute couture, the suits scattered with safety pins are juxtaposed with the riot print capes and sweaters that say They should just let us rave.

There is no garden of delights that awaits the new grown-up males, but for those ready to be dragged off, there’s a rainbow on the horizon: visual stimuli that randomly redistribute the garments on these erratic beings. Demna Gvasalia for Balenciaga keeps mixing things up, teaming technical motorcycle boots with traditional coats, and sending down the catwalk paper shopping bags used as purses: a squatter that is hard to catch off guard. He’s the same young man inhabiting Kenzo’s collection, sporting puffer jackets, sweaters, balaclavas and ski suits – and the hues have never been so spot-on. Yohji Yamamoto too plays with layering, making the hems of shirts touch the rugged coats, and letting psychedelic and neon camo prints peek out.

In this Babylon, athleisure is going to save us: now that sportswear has been debunked in the most diverse contexts, the only resource style can turn to is luxury detailing. A case in point is Kim Jones at Louis Vuitton, in collaboration with street style brand Supreme. The challenge was taken up also by Yusuke Takahashi for Issey Miyake who designed a collection that re-establishes a number of tenets: the versatile quality of technical fabrics, the layering of black and other hues – turmeric, electric blue and mustard above all –, the timeless elegance of oriental-style jackets.

Hermès indulges in nocturnal nuances of velvet with Véronique Nichanian attempting to debunk the most controversial menswear item there is, the bum bag. It’s hard not to detect, also in this case, the need to keep one’s hands free, to move with ease amidst general confusion and to be ready to defend one’s land from the invaders, whether they are aliens or not.

Images courtesy of press office

SHCHUKIN, THE LAST VISIONARY

Testo Giovanni Gastel Jr.
@giovannigasteljr

 

Più che di una visita, si tratta di una visione. Una mostra nella mostra: immobilizzata tra il vetro e l’acciaio temperato – rappresentano le vele di un vascello – all’interno del sedicesimo arrondissement è la Fondazione Louis Vuitton, creata dall’architetto Frank Gehry nel 2001, uno dei pochi che unisce fisicamente l’architettura con la scultura (suo il museo Guggenheim di Bilbao). Duemila quattrocento metri quadri sono designati a esporre la più grande raccolta di opere d’arte mai uscita dalla Russia.

È la collezione di Sergei Ivanovic Shchukin – 1854-1936 – l’ultimo visionario tra i galleristi mondiali del Novecento. Per ospitare questa selezione collaborano dal febbraio 2016 la Fondation Louis Vuitton, il Museo dell’Hermitage e il Museo Statale Pushkin, rinnovando la tradizione di scambio trasversale tra Russia e Francia.

Shchukin ha collezionato opere rinomate, prediligendo i geni impressionisti, post impressionisti e moderni, ma ha anche seguito le proprie pulsioni scegliendo autori meno celebrati come Derain. Insieme a Picasso e Matisse – Shchukin contribuì a salvare quest’ultimo dal fallimento economico – si trovano i Gauguin, all’epoca semi sconosciuto: Shchukin comprò dal ‘folle’ impressionista sedici tele. Non rivendeva mai i quadri, ottenuti anche grazie al fratello Ivan, più giovane di quindici anni, dandy stanziato a Parigi.

La collezione scampò persino alla furia di Stalin, venendo alla fine raccolta nei sotterranei dell’Ermitage di Leningrado. Shchukin, che proveniva da una famiglia di industriali del tessile, riuscì a raggiungere la propria famiglia in fuga in una Parigi che finalmente gli offerse riparo e risposte culturali adeguate alla sua inarrestabile sete di arte, ma sofferse molti lutti tra cui quello di due dei suoi figli: da lì la partenza a dorso di cammello per il Sinai a meditare per poi tornare in Russia. Dovette però finalmente ripartire rinunciando ai propri quadri, quando si ritirò a Parigi: l’ultimo viaggio di notte, in treno.

Questa collezione, creata tra il 1890 ed il 1914, è stata finalmente riunita e oggi viene organizzata per la mostra da un team di esperti: il nipote, André-Marc Delocque Fourcaud, profondo conoscitore del lavoro del suo antenato e consulente storico della collezione si è affidato a protagonisti dell’arte contemporanea. La direttrice della fondazione è Suzanne Pagé, che ha militato in vari musei parigini: è lei a volere questa raccolta di capolavori del mercante russo. La parte multimediale è stata allestita da due ‘architetti della visione’: Peter Greenaway, pittore e regista inglese – suo I misteri del giardino di Compton House – simbolista, dedica una parte del suo metodo narrativo cinematografico proprio a Shchukin, e Saskia Boddeke, conosciuta per la capacità di installare opere di ogni tipo, usando tecnologia digitale di ultima generazione e mettendo al centro di tutto il fruitore, facendo sì che molteplici schermi, performance dal vivo, suoni elettronici, elementi presi da social media siano strumentali alla ricezione più totale.

Lo spazio sarà allestito in modo da evocare l’architettura del palazzo Troubetskoy di Shchukin e il suo modo di accostare i quadri, con le cosiddette ‘stanze private’ dedicate proprio ai suoi amati Picasso, Matisse e Gauguin. Più che di visitatori, in questo caso si parla di spettatori.

Text Giovanni Gastel Jr.
@giovannigasteljr

 

More than a visit, a vision. An exhibition within the exhibition: wrapped inside billowing sails made of glass and tempered steel on the edge of the 16th arrondissement of Paris is Fondation Louis Vuitton, designed in 2001 by Frank Gehry, one of the few architects that is capable of physically marrying architecture and sculpture (he is also the architect behind the Guggenheim Museum in Bilbao). An area of about two thousand and four hundred square meters will host the greatest art collection to have ever been presented outside Russia. Icons of Modern Art – The Shchukin collection is a tribute to the man behind this collection: Sergei Ivanovic Shchukin (1854 – 1936), the last visionary collector among the world’s art patrons of the early twentieth century. In order to make this exhibition possible, Fondation Louis Vuitton, the Hermitage and the Pushkin State Museum have been collaborating since February 2016, thereby strengthening the tradition of collaboration and exchange between Russia and France.

Shchukin collected prominent artworks, showing a penchant for the masters of Impressionism, of post-Impressionism and modern art but also offered his support to less celebrated artists like Derain. Next to paintings by Picasso and Matisse – whom Shchukin helped save from financial collapse – are canvases by Gauguin, bought at a time when the artist was almost unknown: Shchukin bought sixteen paintings from the ‘madcap’ post-impressionist artist. Shchukin never resold the paintings once he had acquired them. The acquisitions occurred thanks also to his fifteen years younger brother Ivan, a dandy art fanatic who had taken residence in Paris. The collection even survived Stalin’s fury, consigned to the basement of the Hermitage Museum in the former city of Leningrad. Eventually Shchukin, who was born into a family of textile merchants, managed to reach his family that had fled to Paris, a city finally capable of offering refuge and a cultural environment suited to his unquenchable thirst for art. There, however, he suffered the loss of many dear ones, including that of two of his sons. Following those deaths, he set off on a camel caravan to a monastery on the Sinai Peninsula to meditate before going back to Russia. Eventually, he was forced to go back to Paris leaving his paintings behind – the last journey being on a night train.

After being broken up, the collection – whose vision took shape in the years between 1890 and 1914 – is being displayed in a single exhibition thanks to the work and contribution of a team that includes Shchukin’s grandson, André-Marc Delocque Fourcaud, an expert in the work of his ancestor and historical consultant on the project and the artistic director of Fondation Louis Vuitton, Suzanne Pagé, who previously served in various Parisian museums and is the mind behind the decision to host the collection of the Russian merchant. In charge of the multimedia installation is a duo of ‘vision architects’ consisting of British film director and artist, Peter Greenaway – director of The Draughtsman’s Contract – who owes part of his image-based narrative method to Shchukin himself and Saskia Boddeke, who is known for her versatile installation skills. Using the latest digital technologies, Boddeke puts the viewer at the center, ensuring that multiple screens, live performance, electronic sound and social media elements are instrumental in creating the most engaging viewing experience. The space is set up to recreate the architecture of Shchukin’s Trubetskoy Palace and the collector’s way of assembling his paintings, with the so called ‘private rooms’ dedicated to his beloved Picasso, Matisse and Gauguin. More than visitors, those coming to see the exhibition can rightly be called spectators. 

Icons Of Modern Art – The Shchukin collection 
From 22 October 2016 to 20 February 2017
Fondation Louis Vuitton, 8
avenue du Mahatma Gandhi
75116, 16th arrondissement, Paris

Images courtesy of press office
www.fondationlouisvuitton.fr

Louis Vuitton at Brera

Testo Lampooners

 

Nel quartiere di Brera, in via Fiori Chiari, Louis Vuitton ha aperto un nuovo negozio. Soltanto per l’abbigliamento maschile, e temporaneo – ha aperto l’altro ieri e chiuderà tra due settimane. Questo senso labile della moda coincide con la voglia di esclusività che rimane solo in teoria opposta alla destinazione di vendita. In pratica, si tratta della regola base: chi può, vuole comprarsi quello che gli altri possono solo sognare. Il lusso è per pochi – ma il lusso è il sogno della massa, se la massa non lo sogna, il lusso non esiste. Louis Vuitton sa articolare questo sogno meglio di Leonardo di Caprio in Inception.

Quello che non è sogno ma è realtà anche oltre il lusso, è la qualità della collezione maschile di Vuitton – non tanto per la linea o per la moda, ma per i singoli capi. Dalle scarpe di vernice che calzano come pantofole, agli accessori indistruttibili anche dai carrarmati, alle felpe maglioni in lana e cachemire. Queste soprattutto – le chiamo felpe perché mi sentirei lento a chiamarle maglioni – hanno una grafica a colori così veloce da essere geniale: grafiche e fiammate, dal bianco, al blu, al rosso al nero – sulla lana lavorata a strappo, con una morbidezza che ti lascia tra una nostalgia da scuola elementare e queste troppo variegate file di sedute delle sfilate. Andate a vederle, queste felpe, vi resteranno nel cuore – nel cuore di Brera, io le sogno da mesi.

Text Lampooners

 

Located on via Fiori Chiari, in Milan’s Brera district, Louis Vuitton has opened a new store. It is a menswear-focused, pop-up store, meaning that having opened the day before yesterday, it will close in two weeks’ time. This ephemeral side of fashion mirrors the desire for exclusivity, which is only theoretically in contradiction with the target market. The same basic rule applies – those who can want to buy what others can only dream of. Luxury is for the few, yet luxury is the dream of the masses and, if the masses do not dream of it, luxury ceases to exist. Louis Vuitton can convey such dream better than Leonardo di Caprio in Inception

What is no dream but rather a reality beyond luxury is the quality of the Vuitton menswear collection, not so much in terms of cuts or style but on account of the individual pieces. From the patent leather shoes that fit like a slip-on, to the indestructible accessories, down to the sweatshirt-jumpers in wool and cashmere. These in particular – I shall opt for the term ‘sweatshirts’ as ‘jumpers’ feels daft – come with a vivid, fast-forward graphic that is utterly genius: flared-up patterns dipped in white, blue, red and black on brushed wool that adds such tactile softness to leave you suspended between a primary-school nostalgia and the excessively multi-colored front row seaters at fashion shows. Go and check these sweatshirts out, they will remain anchored in your heart – the heart of Brera. I have been dreaming of them for months.

Pop-up store Louis Vuitton
Via Fiori Chiari corner Via Formentini, 9
20121 Milan
Phone: +39 800 308 980
Open to the public 14 to 29 January
Every day, 11:30 to 20:30

Images and courtesy of press office
www.louisvuitton.com

#LVMilanPopUp

SPRING/SUMMER 2017

Testo Carlo Mazzoni
@carlomazzoni

 

L’estetica della moda italiana oggi è precisa: si tratta di quella fattura nei tessuti, nei ricami, nei tagli e nelle cuciture – in una parola, nei piccoli segni, nei pattern di materia e colori. Marco De Vincenzo oggi personifica questa estetica nella sua ascesa, rinnovando i codici inventati una volta da Missoni e da Prada.

C’è un’attenzione al potere, nell’aria – è facile collegarsi all’elezione americana. C’è desiderio di civiltà, e di serietà, appunto, potere – non più di spettacolo. Regalia e maestà – tra le grandi case a Milano, Fendi ha segnato questa voglia. Gli inserti d’oro, i ricami nella seconda parte della sfilata sono rivisitazioni di un’aristocrazia nera posta a festa – così come gli intarsi di velluto prodotti dalla tessitura Bevilacqua di Venezia per Valentino sintetizzano tre secoli di storia, tra Italia, Francia e Adriatico.

Giorgio Armani ha rafforzato lo stile della prima linea, lasciando un ruolo più commerciale a Emporio: si tratta ancora di stile, non di moda – uno stile che partendo dall’uomo resta il più forte, identificativo lungo questi ultimi due secoli – così come partendo dalla donna, solo Chanel ha saputo produrre in ugual potenza.

Ghesquière è ancora uno dei migliori designer in circolazione – Louis Vuitton rimane intellettuale e volutamente non facile (cosa che forse stride con la monumentalità dell’impero aziendale): la sfilata è una presentazione di capi e accessori e non solo un estro di styling, e centra pienamente questa voglia di fantascienza anni Ottanta che percepiamo per i prossimi anni, una Storia infinita, regale e stratosferica che si rinnova.

La tensione va su Maria Grazia Chiuri che ha cominciato con Dior un grande progetto di cui a noi ha dato di capire solo il preambolo, che prelude alla prossima rivoluzione, e che rende un italiano come me orgoglioso come sempre vorrebbe restare.

Text Carlo Mazzoni
@carlomazzoni

 

As of now, the aesthetics of Italian fashion is rather clear: it lies in the craftsmanship of fabrics, in the embroideries, the cuts and the stitching – in a nutshell, in the details, the patters of materials and colours. Currently Marco De Vincenzo embodies such aesthetic in his ascent to success and does so by re-writing the codes that were once imagined by Missoni and Prada. There is a focus surrounding power in the air; it is easy to see a link with the American election. There is a desire for civility, for professionalism and – indeed – power and no longer for mere entertainment. Regality and magnificence: in Milan, among the greatest Italian fashion houses Fendi symbolized such propensity. The golden inserts and the embroideries of the second half of the collection are a reinterpretation of a decked out Black Aristocracy brought out to party. Similarly, the velvet intarsia crafted for Valentino by the Venetian fabric manufacturer Bevilacqua encapsulate three centuries of Italian, French and Adriatic history.

Giorgio Armani strengthened the style of his main line leaving Emporio to a more commercial role: it is still style we are talking about, not fashion; a style that informed by menswear continues to remain the strongest and most recognisable through time, just like, with women in mind, only Chanel succeeded with the same power and prowess. Ghesquière continues to be one of the best designers out there: his Louis Vuitton remains intellectual and intentionally not easy (which is likely to grate with the mighty nature of corporate business): the fashion show is a presentation of clothes and accessories and not a display of flair and styling and perfectly hits the target of that penchant for Eighties style sci-fi that we envisaged for the upcoming years: a regal, extraordinary NeverEnding Story that gets renewed with every season. There was anxiety and trepidation surrounding the debut of Maria Grazia Chiuri who, at Dior, started a project of which we have been offered only a glimpse into the preamble. An introduction that hints at the upcoming revolution and that makes an Italian man, like myself, very proud. As I would like to continue to be.

Images from Pinterest 

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